本期大聲誌

看板clippers作者obaigonn (蠟人)時間18年前 (2007/01/30 14:55)推噓2(2推 0噓 0→)

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本期大聲誌有一篇夾子小應對於這次與(瘋狂劇團) 三合一合作(布雷希特)名劇作(高加所灰闌記)的感想與創作的看法的訪談,歡迎翻閱: 奏一齣戲，扮一首歌：小應的跨界遊戲採訪∕撰文：宋坤美、李明璁攝影：黃士勛「我覺得，一個創作它所實質包含的東西，一定要比它能被解讀出來的東西多很多，才能感動人。」當小應冒出這句頗為睿智、彷彿總結了一切創作心情與期許的話時，我們知道差不多可以收攤了。十一月的第一個星期天，幾個劇場工作者和小應，在溫州街的咖啡館從午後陽光聊到晚風微涼。原先擬的訪談大綱根本沒啥用處，畢竟，自由跨界的小應哪有這麼容易就被框架。前「夾子電動大樂隊」主唱兼鍵盤手的小應，可說是台灣最常跟劇場搞在一塊的搖滾樂手之一。其中最令人印象深刻的，像是兩年前在馬汀尼導演、紀蔚然編劇的〈好久不見〉中把台客「小明」演得聳擱有力、以及在電影〈愛情靈藥〉中那個黑色kuso、擺爛到爆的混混角色。而從去年開始，他也幫劇場配樂，並開始拍攝MV。最近的新嘗試則是：音樂廣播劇、小劇場音效設計、以及參與實際演出的「三合一」創作。小應卯足全力要把「音樂的戲劇性」和「戲劇的音樂性」像作麵團般地雜揉一塊，和瘋狂劇團一起在政局混亂的此刻台灣，重新詮釋布雷希特（B. Brecht）經典劇作《高加索灰闌記》的在地意義。大聲誌（以下簡稱「大」）：談談最新這個創作是如何發想和取材吧？應蔚民（以下簡稱「應」）：這次最大的挑戰是改編俄國民謠。因為在《高加索灰闌記》原來的劇本中，女主角在情人要去打仗時唱了俄國民謠，這些歌所描述的人事物，其實和劇中的情節有很強的關連。所以在劇的一開始，我改編置入了一些傳統俄國歌曲，作為一種情境的對應。接下來在中後段，我才開始引入自己從無到有的創作。相對於前半部所使用的古典樂器音色，後半部無疑是一個巨大反差，電子質感的合成器音色成為主線。至於結局大審判中的背景音樂則是俄國民謠混爵士，人物說話的感覺像一群魚在大水缸裡游來游去。靈感來源地其實是在金山南路和仁愛路交叉口「阿財的店」（以前民進黨和學運人時常聚會的場所），對面的水族館。總之，這次最大的企圖就是希望能將音樂、劇情和台詞的關係銜接得更緊，不只是情境要準確，連節奏也要密切配合。所以有些段落甚至是以節奏為主，講話為輔，讓節奏帶領整個角色形象。也就是說，劇中十幾個角色各自鮮明的個性，其實不用透過台詞，就已經在不同說話方式和音樂節奏的差異上，清楚展露了。大：進行中的音樂廣播劇製作，和之前的專輯最大區別為何？應：其實在之前〈一切一切哈拉〉的專輯中就有一首〈你是失明或是盲目〉是樂中劇。我從高中時期和濁水溪公社一起搞，之後有很多次劇場經歷，到現在這張既是戲劇又是音樂的東西，其實是一路連結過來、將過去生活經驗東拼西湊的大整合。我覺得每種形式的表演都有它必須整合的一面，比如說劇場得整合燈光音效演員，電影也是。所以我希望能藉由這張新專輯，創造一種有視覺感的音樂來和舞台劇一起整合。我認為影像和音樂是無法分割的。音樂不用總是填得滿滿的，有一部分就是空下來留給影像；相對的，影像沒辦法召喚情緒的部分，我們就把它交給音樂。大：順著上面這個問題，那談談你對劇場的想法，或者自己演出的心得吧。應：十幾年的排練場經驗，讓我覺得多數劇場都太嚴肅了點。要執行一個精準的創作目標，其實不見得要在呈現過程中一直強控使其精準，反而是應該要不斷的玩、實驗，慢慢橋出方向後再確定下來。但是因為現實情況多半都是時間不夠，所以只好比較有效率地跳過玩的過程而直接求其精準。不過我倒覺得那個被跳過的「玩」的過程，卻可能是影響舞台劇表演能量的關鍵。例如你看到一個橋段表演都對了，但卻無法引起觀眾共鳴，或許就是少了一些在規矩之外，很自然沒經過排練的感覺。這其實是很重要的能量，來自排練生活那段時間的自然累積、還有演出者自己本身個性、本質的展現。譬如導演可以很輕易的要求演員表現出一個徬徨的眼神，但就在要表現徬徨的時候，中間有經過一段是沒有被點出來的、更細微變化的神情，如果沒有自然呈現出來的話，感覺就有點空了。我希望自己這次的表演，能夠找到這個中介的連續感。大：在同時身為音效設計、卻又是演員必須被導演帶領排戲；或者說音樂佔的份量如此重，但又必須由導演來決定整體風格，在這樣的過程中，什摩要而什麼不要，是如何對話及選擇的？應：在作音樂的時候，總是有很強的企圖心要讓音樂成為主角。我覺得只要是好的音樂創作就必然有其完整性，而不是只作為一個搭配性的東西。坦白說這點和過去劇場的觀念，認為舞台音樂就只是要幫助營造過場氣氛的設計，有很大出入。所以若以一個音效設計者的身份來說，我會希望這次的音樂一出來就能讓大家直接感受整個現場的氣氛，也就是說音樂直接就是一個主體。但相對的，身為演出者之一，在排練場上，我便和音效設計者的角色無關，就讓導演帶領演出方向。劇場必然是合作的產物，不會因為我自己表現特別就可以讓整體變好，相反的，一齣戲一旦失去整體就完蛋了。所以在排練場上最大的學習，就是要清楚了解別人在幹嘛，藉由細膩觀察與了解他人，發展出自己和他人互動的模式。大：不好意思請容我們犀利點問，其實現在很多音樂人也都標榜他們自己跨界到劇場，所以若要你自己評估的話，最新的這個音樂廣播劇專輯和一般「跨界」作品比起來，差異性或說特殊性為何？應：這張專輯的風格雖然滿多樣的，但卻是來自對原劇本最直接的感覺。整個音樂其實就是從我自己閱讀這個文本出發，並不是等到看了戲的編排後才找縫隙填入音樂，也不是我自己這邊音樂做起來後，再去跟戲搭配。更不用說，這跟一個歌手，跑到一齣戲裡面唱幾首歌就叫跨界，完全不同。一般我們提到跨界，多半指的是不同表現形式的結合，比如說京劇跨現代舞之類。但我覺得純就藝術內裡來看，不同形式底下的東西本質上其實是一體的，就這點而言，我們甚至可以說沒有什麼跨不跨界的問題了。我總覺得，這跟創作者認定自己在做什麼有很大的關係，如果他認定所有不同形式的表現都只是概念和情感的媒介，那麼裡面的東西就是共通、沒有不同的。不論是創作音樂或是作為一個演員，都是要把本來零碎的想法和感覺，找到中間的轉折和新的連結。也就是說，我根本是用同一種創作態度和邏輯去進行的。總之，我覺得，一個創作它所實質包含的東西，一定要比它能被解讀出來的東西多很多，才能感動人。 -- 麥克風有電 -- ※ 發信站: 批踢踢實業坊(ptt.cc) ◆ From: 123.194.81.14